Alejandro Pachón: «La Banda Sonora del Festival Ibérico de Cinema»

El oxidado sonido del molino de viento, repetitivo y acompasado, el sonido del traqueteo del telégrafo, el puntual y nervioso goteo sobre un sombrero vaquero, un perro gimiendo, el crujir de los nudillos de una mano, el estresante sonido de una mosca, el chillido de la locomotora del tren, el jadeo de su caldera al estacionar, el click metálico de la carga de una pistola, la puerta oscilante de un vagón, pasos y espuelas masticando los tablones de madera seca de la estación…el silencio y la melodía de una armónica. La banda sonora de Hasta que llegó su hora, doce minutos de sonidos, de tensión, de silencio, nada de música, sólo el vaivén orgásmico de Ennio Morricone sobre la obra maestra de Sergio Leone.

Alejandro Pachón, director del Festival Ibérico de Cinema, es el encargado de poner banda sonora, al más puro estilo Morricone, al guión que cada año la productora Tragaluz, y van 22ª ediciones, produce con mucho mimo. El mismo mimo y cuidado que Pachón ha puesto durante tanto tiempo a la hora de enseñar en la universidad a través de la humanidad que engloba el cine. Y en especial, la melódica pátina que cubre y tiñe las películas, sus bandas sonoras.

Leone, el director transalpino, hacía componer la música antes de rodar la película, la utilizaba durante el rodaje y el montaje. Era un material esencial para realizar su cine. Nunca dejó que Morricone leyese el guión para que hiciera la banda sonora…únicamente  le contaba la historia…las mismas historias que nos cuenta Alejandro Pachón en esta entrevista…suena el rec de la grabadora y el ruido que hace el obturador de la cámara de Félix en cada foto…silencio…habla el director.

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¿Villafranca de los Barros fue tu Amarcord o tu Cinema Paradiso?

Más bien mi primer Cinema Paradiso. Fue en el pueblo donde realmente empecé a ver películas en los cines y a conocer el ambiente de las cabinas de proyección, mucho más Cinema Paradiso que Amarcord. El retrato de Fellini está visto desde una persona ya adulta, la obra de Tornatore está realizada bajo los ojos de un crío…[Ríe]… desde ese mundo surrealista que vive una historia paralela a la realidad.

Nos interesa rescatar tu labor académica con el cine, como profesor te jubilas a final de mes…¿Qué alegrías y penas te ha reportado esta faceta?

[Ríe]…fundamentalmente me ha dado conocimientos, porque cuando yo empecé a desarrollar este tema, no existía formación ninguna. Cuando yo estudié en la Universidad no existía ninguna asignatura de cine ni nada por el estilo. La parte autodidacta tiene un gran peso, he tenido que leer muchos libros, ver muchas películas, escuchar muchas bandas sonoras y asistir a muchos congresos. Después ¿Si he sabido comunicar esta pasión a los alumnos? Ha habido promociones y épocas en la que era bastante gratificante ver la ilusión de los alumnos por aprender, pero últimamente esas satisfacciones son menores, la sensación de alienación de los universitarios hacia contenidos históricos que puedan conforman un concepto global de humanidades  es nula, y si falta algunos de esos factores no hay cultura humanística y por tanto será muy difícil explicar a Orson Welles o Berlanga si se desconoce la historia de Estados Unidos o la de España.

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…y en este balance ¿Qué papel ocupa el cine actualmente?

El cine ocupa un papel absolutamente lúdico. La gente no va al cine como factor formativo, sólo va a evadirse, y el cine no sólo puede ser evasión.

Personalmente echo de menos las colas que se formaban hace veinte años para sacar una entrada…se ha perdido ese encanto que daba vida a la ciudad…

Por supuesto, se ha perdido ese valor desde el momento en el que los cines ya no están en las ciudades. Un factor decisivo, uno ahora no va al cine, va al centro comercial y como alternativa acude al cine. El acto social que se da más hoy en día, son los cumpleaños de los niños. Son ellos los que entre hamburguesa y pizza van al cine como invitación…[Ríe]…

 

Es muy difícil hablar de Orson Welles o Berlanga si se desconoce la historia de Estados Unidos o la de España”

 

Quizá, tu verdadera pasión sea la música dentro del cine…

[Ríe]…sin duda, es sobre lo que más he profundizado. Hice la tesis sobre ese aspecto y realicé muchas actividades al respecto, colaborando con el Festival de Música de cine de Sevilla o de Valencia, en una época donde se puso de moda la banda sonora en el cine. Estamos hablando de los años 80, en la última época dorada de música de cine a lo grande, de grandes compositores, de los que ahora sólo queda Ennio Morricone, compositores como Jerry Goldsmith, Alex North o Georges Delerue. Estos compositores se dejaban ver por España, daban conciertos y se comenzaba a publicar discos de las bandas sonoras de las películas. Ahora todo está mucho más industrializado, en la última peli que he visto, Terminator: Génesis, ya ni aparece Hans Zimmer como músico, sino como productor musical…

Ya no hay quién reconozca a los autores de las bandas sonoras…

…Tú me pones un fragmento de John  Barry, Michel Legrand o de Mancini y yo te la reconozco aunque no haya visto la película. Tiene un estilo y marcan con su buen hacer, el ritmo musical de la película. Ahora, eso es imposible.

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¿Qué aporta la banda sonora al cine?

Hay directores a la que no le gustan las bandas sonoras en las películas, pero sin duda, es un complemento vital para el ritmo del cine. Aportan emotividad, fluidez narrativa y le da sobre todo, una capacidad de cohesión con el resto de los elementos que componen la banda sonora, ruidos y diálogos, que es imprescindible. Es el cemento de todo el esqueleto en off de la película, de todo lo que no está en pantalla.

 

“La banda sonora es el cemento de todo el esqueleto en off de la película, de todo lo que no está en pantalla.”

 

 

 

Walter Murch, el diseñador de sonido de El Padrino, decía que la banda sonora no sólo es la música, es todo aquello que se necesita para construir un lenguaje propio dentro de la película. Quizá ese concepto sea difícil de entender por el público.  

Sin duda, todo hasta el silencio, componen el eje de la banda sonora, pero cada vez más la música es un elemento con mayor presencia dentro de la banda sonora, las piezas compuestas para el disco se entremezclan con temas originales.

Tienes un gran hobby, y que como bien explicaba Scott McCloud  en el  Understanding Comics: The invisible art,  está muy relacionada con el cine, el universo de la viñeta, del cómic…

[Ríe]…Los cómics forman parte de esa frustración que teníamos desde chicos, una de las pocas diversiones visuales que había antes, en un mundo sin televisión e internet, dentro de un mundo de obras prohibidas que hacían más atractiva su adquisición. La librería que tenía mi abuelo en Villafranca ayudó mucho a fomentar esta afición.

Alejandro, no sabemos si el cine en Extremadura aún sigue siendo un tebeo para muchos, un sector audiovisual que tiene mucho por hacer todavía ¿Cómo está la salud cinematográfica en la región?

Como en muchas cosas hemos llegado un poco tarde, creo que un momento dado saldrá gente de calidad, pero el poder rodar aquí con asiduidad y que se forme una industria fuerte de cine lo veo complicado desde el momento que no hay industria de ningún tipo. Si nos resulta difícil ir a Madrid en transporte público, se me antoja muy difícil que la industria audiovisual cobre vida.

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Llevas desde el 1998 como director del Festival Ibérico de Cinema…cuéntame si este festival, al menos, si goza de buena salud.

He aprendido mucho, aprendo mucho, viendo cortos y hablando con los autores, críticos, público que presentan y acuden al festival cada año. He podido ver casi toda la producción que se lleva haciendo estos últimos 20 años y eso me permite apreciar los cambios, los gustos y las innovaciones que se realizan en este campo. He conocido a gente que en su momento eran poco conocidos y ahora son estrellas. Ese tipo de cosas son muy valiosas para mí. En este festival siempre he trabajado muy a gusto, la gente que compone este evento es maravillosa.

¿Cuál es el proceso de selección de los cortos?

Solemos hacer un corte al principio donde seleccionamos la mitad de los cortometrajes recibidos, y tras un par de reuniones nos quedamos con unos 50 cortos más o menos. Y de esos 50, que se podrían proyectar perfectamente sin desmerito ninguno, hacemos una criba para hacer la selección final con 16, 17 cortos.

 

Ha cambiado el cortometraje mucho en todos estos años…no tiene nada que ver un corto actual con lo que se hacía hace quince años…

Sí, ahora hay mucho virtuosismo, directores que realizan un ejercicio más técnico que narrativo, cuentan menos y buscan más el plano secuencia que el remate en el guión. En este festival podemos ver de todo un poco en ese sentido.

 

He aprendido mucho, aprendo mucho, viendo cortos y hablando con los autores, críticos, público que presentan y acuden al festival cada año”

¿El paso del analógico al digital ha propiciado este tipo de cine más efectivista que narrativo?

Creo que sí, lo digital ha propiciado que el autor experimente más con los planos, pero el público e incluso al jurado, sobre todo espera que le sorprendan un poquito, que tenga algo que lo remueva de la butaca, quieren una buena historia al fin al cabo.

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El Festival Ibérico siempre proyecta cortos del país vecino, es muy poca la producción portuguesa pero poseen una buena calidad…

…Cierto y lamentablemente hay obras que no podemos poner porque la gente se quedaría un poco perpleja. Son trabajos muy serios, que suelen estar en grandes festivales internacionales como Cannes o Berlín, y que suelen ser mucho más atrevidos de los que se realizan en España.

¿La animación cada vez ocupa más espacio en este Festival?

Hay cosas muy buenas en cine de animación, un género además que le da mucho valor a la banda sonora. En esta edición hay verdaderas obras maestras, como “Fuligem” con el tren como fondo o Sailor´s Grave, un corto realizado por diez directores bajo una misma historia, el mar.

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El premio del FIC se llama Onofre…¿Quién era este señor?

Onofre en realidad no existió nunca, o sí. Era el nombre que gritaban en la terraza del Teatro López de Ayala cuando se cortaba la película o se besaban en alguna secuencia, como si Onofre fuera el proyeccionista de la cabina del cine pero parece ser que no se llamaba así. Onofre es el fantasma del López de Ayala y su identidad real es “Ídolo de Rena” una pieza antigua del museo arqueológico de Badajoz.

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Alejandro, llevas muchos años como crítico de cine ¿No te apetece afrontar la otra cara del espectáculo y que seas tú el criticado tras dirigir una película?

Algún guión he hecho, como el de Jackpot y algún cameo suelo hacer en los cortos extremeños, y en largos como la película que ha estrenado con mucho éxito el festival y que ha dirigido Paco Espada de la novela de Isaac Rosa. Presencias tipo Hitchcok, pero dirigir creo que no, ni películas ni nada…[Ríe]…estuve cuatro años de jefe de departamento de la Universidad y no me gustó nada. Yo soy una persona tranquila y me gusta la puntualidad y eso en el cine no existe.

 

El digital ha propiciado que el autor experimente más con los planos, pero el público e incluso al jurado, sobre todo espera que le sorprendan un poquito, que tenga algo que lo remueva de la butaca, quieren una buena historia al fin al cabo”

Tienes entre manos dos cosas…cuéntanos

Tengo apuntes para una novela, llevo dos o tres años elaborando el esquema y luego tengo ganas de escribir algo así como “Cosas que enseñe con el cine”, una especie de recorrido por temas de humanidades que se pueden enseñar a través de las películas y como se relaciona el cine como una ciencia humana en sí con otras humanidades como historia, geografía o sociología.

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Para finalizar, ¿Qué banda sonora te gustaría que pusiera música a tu día a día?

Depende de la situación, de Morricone me gustan muchas cosas, la parte más desconocida. Pero me gusta muchísimo Joe Hisaishi, el director japonés que tantas obras magníficas ha compuesto para Miyazaki y Takeshi Kitano. El jazz también ocupa un lugar muy importante en mi espacio musical.

Entrevista. Willy López | Fotografía. Félix Méndez